تمام فیلم‌های بخش مسابقه کن ۲۰۲۵، رتبه‌بندی از بهترین تا بدترین

زمانی که برنامه بخش مسابقه هفتادوهشتمین جشنواره فیلم کن چند هفته پیش اعلام شد، من تنها کسی نبودم که پیش‌بینی می‌کرد جعفر پناهی، کارگردان ایرانی، نخل طلا، بالاترین افتخار این رویداد، را برای فیلم جدیدش با عنوان «فقط یک اتفاق بود» کسب خواهد کرد. هفته گذشته وقتی فیلم را در کن دیدم، بیش از هر زمان دیگری مطمئن شدم. در دو دهه گذشته، پناهی، مانند بسیاری از هموطنان و همکاران هنرمندش، با آزار و اذیت مداوم دولت ایران روبرو بوده است: بازداشت و زندان، حصر خانگی، ممنوعیت خروج از کشور، و ممنوعیت فیلمسازی را تجربه کرده است. او این محدودیت آخر را بارها با شجاعت و خلاقیت زیادی دور زده است. امروز، او که در تهران زندگی می‌کند، مردی آزاد، هنرمندی آزاد و بله، برنده نخل طلا است؛ او شنبه شب در کن حضور داشت تا جایزه‌اش را در هیجان‌انگیزترین و تاثیرگذارترین مراسم اختتامیه‌ای که به خاطر دارم، دریافت کند.

پیروزی شایسته پناهی، یکی از قوی‌ترین دوره‌های جشنواره در سال‌های اخیر را به پایان رساند. غنای انتخاب‌ها را می‌توان در گستره وسیع جوایز اهدا شده توسط هیئت داوران بخش مسابقه، به ریاست بازیگر ژولیت بینوش، مشاهده کرد. رتبه‌بندی تمام فیلم‌های بخش مسابقه، از بهترین تا بدترین، اخیراً به نوعی سنت تبدیل شده است، و هرگز تا این حد با این کار مشکل نداشته‌ام. تعیین ترتیب اولویت، یک انضباط مفید را تحمیل می‌کند، زیرا فرد را مجبور به تعهد به واکنشی در لحظه می‌کند؛ در عین حال، می‌تواند احساسی خودسرانه و موقتی نیز باشد. من مشتاقانه منتظر دیدن بسیاری از این فیلم‌ها دوباره هستم، اگر و زمانی که در جشنواره‌های دیگر و/یا در سینماهای آمریکا در ماه‌های آینده نمایش داده شوند، و کشف چیزهایی درباره آن‌ها که ممکن است بار اول ندیده باشم.

در ادامه، بیست‌ودو فیلم بخش مسابقه جشنواره فیلم کن ۲۰۲۵ به ترتیب نزولی، از بهترین تا ناامیدکننده‌ترین، رتبه‌بندی شده‌اند:

فیلم با جمعیتی از شادی‌کنندگان در صحرای مراکش آغاز می‌شود - یک پارتی بزرگ در انتهای زمین، اما همچنین، با رسیدن زمزمه‌های یک درگیری مرگبار جهانی به گوشمان، احتمالاً در پایان دنیایی که می‌شناسیم. این ادیسه بیابان‌گردی پیشاآخرالزمانی - از کارگردان اسپانیایی متولد فرانسه، اولیور لاکس، که جایزه هیئت داوران (رتبه سوم) جشنواره را دریافت کرد - ماندگارترین و فراگیرترین تجربه را در بخش مسابقه ایجاد کرد. با سلسله‌ای از غرش‌های صوتی قدرتمند، شما را از صندلی‌تان بلند می‌کند، و سپس فوراً با تکان‌دهنده‌ترین فاجعه، شما را دوباره به آن باز می‌گرداند. عنوان «صراط» در الهیات اسلامی به پلی باریک میان بهشت و جهنم اشاره دارد که مناسب است، زیرا فیلم لاکس هم تجربه‌ای کابوس‌وار و هم تجربه‌ای هیجان‌انگیز است - آزمایشی بی‌رحمانه که با این حال توسط عشق و لطافتی فوق‌العاده پشتیبانی می‌شود. فیلمسازی بسیار فیزیکی لاکس از پیش مقایسه‌هایی را با «مزد وحشت» و «جادوگر» برانگیخته است؛ چه با آن‌ها هم‌سنگ باشد چه نباشد، من به طور کامل و تمام‌عیار مسحور شدم.

مقدمه فیلم برنده نخل طلای پناهی - چند نفر در یک ون لق‌ولق می‌نشینند و بر سر اینکه کجا بروند و چه کار کنند بحث می‌کنند - ممکن است در ابتدا یک کمدی جاده‌ای درباره خانواده‌ای ناکارآمد را تداعی کند. اما، اگرچه عناصر کمدی فراوان و رگه‌ای اسیدی از نقد اجتماعی وجود دارد، این فیلم که با مهارت تغییر لحن می‌دهد، به زودی خود را به عنوان یک تریلر اخلاقی قدرتمند درباره عدم قطعیت حقیقت، سوءاستفاده‌های رژیم ایران، پیامدهای شکنجه فیزیکی و روانی، و انتخاب بین انتقام و بخشش آشکار می‌سازد. فیلم به سکانسی شگفت‌انگیز و رهایی‌بخش می‌رسد، یک برداشت پیوسته از خشم و وحشت که شما را واقعاً تکان می‌دهد - و نمی‌توانید از فکر کردن به خود پناهی دست بردارید، یک فیلمساز بزرگ مخالف که نه برای اولین بار (و امیدوارم نه برای آخرین بار)، مبارزه یک عمر را به هنری برانگیزاننده تبدیل کرده است.

بی گان، فیلمساز سی‌وپنج‌ساله چینی، یکی از خارق‌العاده‌ترین جادوگران سینما است. در دو فیلم بلند اولش، «بلوز کایلی» (۲۰۱۶) و «سفر طولانی در شب» (۲۰۱۹)، او با حرکت دوربین‌های دنباله‌دار و بسیار طولانی و پیچیده، شاهکارهای خیره‌کننده‌ای از کارگردانی را به نمایش گذاشت که مانند حقه بازی‌هایی بودند که می‌شد در آن‌ها زندگی کرد. یکی دیگر از این شگفتی‌های تک‌برداشتی در سومین فیلم عالی بی، «رستاخیز»، وجود دارد، اما فیلم به طور کلی - که با جایزه‌ای ویژه توسط هیئت داوران بینوش تقدیر شد - معجزه‌ای به کلی غریب‌تر و بی‌ثبات‌تر از آثار پیشین اوست. با بازی جکسون یی که با اشتیاق نقش‌های مختلفی را بازی می‌کند و شو چی که عالی است، این فیلم ما را در یک اودیسه چندبخشی در تاریخ یک قرن سینما رهنمون می‌شود. در این مسیر، از «بلید رانر» و «موتورهای مقدس» الهام می‌گیرد؛ به برادران لومیر، فریدریش ویلهلم مورناو و ژرژ ملیس ادای احترام می‌کند؛ و عمیقاً به چشم‌انداز ژانرها نقب می‌زند، جایی که جاسوس‌ها، گانگسترها، روح‌ها، هیولاها و خون‌آشام‌ها کلید محبوبیت ماندگار سینما و ظرفیت آن برای تجدید حیات را در اختیار دارند. آنچه «رستاخیز» را فراتر از یک نامه عاشقانه سطحی دیگر به سینما می‌برد، آگاهی مالیخولیایی است از اینکه چنین جادویی همیشه هزینه‌ای دارد - برای فیلمسازانی که هنر خود را تمرین می‌کنند و دوستداران سینما که در آن غرق می‌شوند. آنچه سینما می‌دهد، نیز پس می‌گیرد.

اولین فیلمی که در بخش مسابقه به نمایش درآمد، در پایان جشنواره، یکی از بهترین و به یاد ماندنی‌ترین‌ها باقی ماند؛ همچنین نشانه شکوفایی استعداد کارگردانی قابل توجهی در ماشا شیلینسکی، فیلمساز آلمانی، بود که جایزه هیئت داوران را با لاکس مشترکاً دریافت کرد. در این دومین فیلم بلند جاه‌طلبانه، شیلینسکی میان چهار مجموعه از شخصیت‌ها می‌جهد، که همگی در یک خانه روستایی آلمانی در دوره‌های زمانی مختلف طی تقریباً یک قرن زندگی می‌کنند. فیلم، با ترکیب فرمی ظریف و اثیری با تزِ ویرانگری درباره تداوم رنج زنان در طول نسل‌ها، گاهی اوقات «چرخش پیچ» را به کارگردانی میشائل هانکه تداعی می‌کند، اما شیلینسکی ثابت می‌کند که فیلمساز خاص خود است. رویکرد او بازیگوشانه‌تر و مهربانانه‌تر است تا مجازات‌کننده، و من نمی‌توانم صبر کنم تا ببینم او در آینده چه خواهد کرد. (قرار است توسط Mubi منتشر شود.)

در حالی که «صدای سقوط» از قراردادهای داستان‌های ارواح برای کشف الگوهای دیرینه خشونت پدرسالارانه بهره می‌برد، حماسه فوق‌العاده گسترده، پرفراز و نشیب و جویای کلبِر مِندونسا فیلیو، کارگردان و فیلمنامه‌نویس برزیلی، نیز از ژانر برای اهداف سیاسی استفاده می‌کند - و با ظرافتی بیشتر از اثر قبلی‌اش در بخش مسابقه کن، «باکورائو» (۲۰۲۰) که خشن و پرهیاهو بود. در «مأمور مخفی»، مِندونسا فیلیو از زبان فیلم‌های گانگستری، فیلم‌های هیولا و تریلرهای حمله کوسه برای روایت ویرانی انسانی ناشی از دیکتاتوری نظامی برزیل بهره می‌برد. این یک اثر حداکثرگرا است، با داستانی که برای آشکار کردن مقصد خود عجله‌ای ندارد؛ پیچ‌وتاب می‌خورد و بر خود فرو می‌ریزد تا به تأثیری فزاینده و جذاب‌تر دست یابد. واگنر مورا، در نقش یک پژوهشگر سابق دانشگاهی که پیش از این یک فاجعه را تجربه کرده و به دنبال جلوگیری از فاجعه‌ای دیگر است، اجرایی ستاره‌ای با جذابیت آشکار ارائه می‌دهد. او جایزه بهترین بازیگر مرد جشنواره را دریافت کرد؛ مِندونسا فیلیو نیز به عنوان بهترین کارگردان شناخته شد. (قرار است توسط Neon منتشر شود.)

سال خوبی برای تریلرهای انتقامی ایرانی بود. در این ملودرام تکان‌دهنده از کارگردان سعید روستایی، مادری بیوه با دو فرزند (پریناز ایزدیار) دچار فقدانی ناگوار می‌شود - و با گرفتن انتقامی از مردان بسیاری که از طریق خودکامگی بی‌رحمانه یا غفلت بی‌فکرانه به غم او دامن زده‌اند، پاسخ می‌دهد. نتیجه یکی از بهترین فیلم‌های اخیر در زمینه «مردان بی‌ارزشند» است، اما «زن و بچه» صرفاً یک هجمه کلی علیه پدرسالاری مبهم تعریف‌شده نیست؛ با هوشمندی نافذ و خشمی دقیقاً مهارشده هدف قرار می‌دهد. پریناز ایزدیار در نقش تجسم زنده آن خشم، با جذابیتی خیره‌کننده شبیه به شبحی خشمگین و چشم‌باز به نظر می‌رسد - مأموری تقریباً افسانه‌ای برای انتقام.

اگر نسخه‌های کلی رایشارد از وسترن مرزی («مسیر مِیک»، ۲۰۱۱) و تریلر اکو-تروریستی («حرکات شبانه»، ۲۰۱۴) را دیده‌اید، ممکن است بدانید چه انتظاری از نسخه او از یک فیلم سرقت هنری داشته باشید: یک پایه‌گذاری دقیق و بی‌نظیر، که در آن هیچ جزئیات یا بافتی نمی‌تواند بیش از حد دقیق باشد، و مکانیک ژانر با ضرب‌آهنگ آرام زندگی واقعی پیش می‌رود. برنامه‌ریز این سرقت، مردی خانواده‌دار در یک شهر کوچک ماساچوست (جاش اوکانر با ظاهری فوق‌العاده نامرتب) است که در میان آشفتگی‌های اوایل دهه ۱۹۷۰، ناامید می‌شود تا با میانمایگی خود مقابله کند. جرمی که او مرتکب می‌شود، یک ماجرای احمقانه، دست‌وپا چلفتی و بی‌حوصله است، اما رایشارد هر لحظه از آن - و پیامدهای بعدی آن - را با مهارت معمول، مالیخولیایی و آرام خود مشاهده می‌کند. او همچنین بازی‌های درخشان مکمل را از آلانا هایم، بیل کمپ، هوپ دیویس، جان ماگارو و گبی هافمن به دست می‌آورد. (قرار است توسط Mubi منتشر شود.)

بر اساس یک رمان کوتاه از نویسنده شوروی، گئورگی دمیدوف، این درام عالی از کارگردان اوکراینی سرگئی لوزنیتسا مانند تلخ‌ترین آزمایش‌های فکری رخ می‌دهد: چه می‌شد اگر، در میان وحشت‌های روسیه استالینیستی، در سال ۱۹۳۷، یک دادستان ایالتی شجاع و تازه منصوب شده، خود را موظف به تحقیق درباره شکایات زندانیان از بی‌عدالتی و خشونت می‌دانست؟ وکیل جوان، به نام کورنیف (با بازی خوب الکساندر کوزنتسوف)، وارد زندان می‌شود؛ اینکه آیا او هرگز بیرون خواهد آمد یا خیر، به هیچ وجه قطعی نیست. آنچه به این درام تنش فوق‌العاده‌ای می‌دهد، مشاهده آهسته، دقیق و سنجیده لوزنیتسا از سقوط کورنیف به ورطه بوروکراتیک و توتالیتر است، که در آن مقام رسمی پس از مقام رسمی سعی می‌کند به آرامی (در ابتدا) او را به تسلیم متقاعد کند. شما می‌دانید که پایان خوبی نخواهد داشت، اما هرگز دقیقاً نمی‌دانید چگونه به پایان خواهد رسید - یا در چه نقطه‌ای این فیلم تله‌ای فولادی که با دقت ساخته شده است، سرد و قاطعانه بسته خواهد شد.

نباید جواب می‌داد، اما واقعاً جواب می‌دهد. روایت فوق‌العاده دقیق ریچارد لینکلیتر از پشت صحنه چگونگی ساخت فیلم «از نفس افتاده» توسط ژان لوک گدار و شعله‌ور کردن یک انقلاب سینمایی، یک «چه کسی کیستِ» بازیگوش از فیلم فرانسه اواخر دهه پنجاه است، اجرایی هوشمندانه گیرا و فوق‌العاده منظم از مفهومی که روی کاغذ خودخواهانه به نظر می‌آمد. سه بازیگر اصلی، گیوم ماربک (در نقش گدار)، زوئی دویچ (در نقش جین سیبرگ)، و اوبری دولین (در نقش ژان پل بلموندو)، با مهارت بالا و بدون ذره‌ای خودستایی، به اهداف دشوار خود دست می‌یابند. فیلمبرداری سیاه‌وسفید به شیوه‌ای بازیگوشانه «از نفس افتاده» را تداعی می‌کند؛ تدوین سریع و روان، خردمندانه این کار را نمی‌کند. «موج نو»، همانطور که اتفاقاً هست، یکی از دو پرتره از هنرمندان است که لینکلیتر کارگردانی کرده و امسال در جشنواره‌ها به نمایش درآمد؛ دیگری، «ماه آبی»، به دنبال لورنز هارت، ترانه‌سرا، چند ماه قبل از مرگش است - پایانی برای دوران حرفه‌ای در مقابل فوران جوانی این فیلم.

چهار سال پس از آنکه رناته رینزوه جایزه بهترین بازیگر زن را در کن برای بازی‌اش در «بدترین آدم دنیا» (۲۰۲۱) از کارگردان نروژی یواخیم تری‌یر دریافت کرد، این دو دوباره برای یک کمدی-درام جدی-فکری دیگر با بازی‌های زیبا و لایه‌های عمیق همکاری می‌کنند. در این فیلم که برنده جایزه بزرگ جشنواره (عملاً رتبه دوم) شد، رینزوه نقش یک بازیگر با استعداد تئاتر را بازی می‌کند که همراه با خواهر کوچکترش (اینگا ایبسدوتر لیله‌آس)، باید با پدر جدا شده‌شان (استلان اسکاشگورد)، یک فیلمساز مشهور، کنار بیایند که پس از مرگ مادرشان دوباره وارد زندگی‌شان می‌شود. فیلمنامه، نوشته تری‌یر و همکار قدیمی‌اش در نویسندگی، اسکایل فوگت، شوخ‌طبعی درخشان همیشگی آن‌ها را دارد، با اشاره‌ای هوشمندانه و متا برای سینه‌فیل‌ها؛ یک شوخی هانکه/گاسپار نوئه کاملاً خنده‌دار است. همچنین فضایی برای ال فنینگ، که در نقش یک بازیگر آمریکایی که درگیر ماجرا می‌شود می‌درخشد، پیدا می‌کند. با این حال، «ارزش عاطفی» تحولات عاطفی‌اش - و همگرایی اجتناب‌ناپذیر و درمانی میان زندگی و هنر - را برای سلیقه من کمی بیش از حد قابل پیش‌بینی نشان می‌دهد. بهترین فیلم تری‌یر نیست، به عبارت دیگر، «بدترین» نیست. (قرار است توسط Neon منتشر شود.)

اعتراضات «جلیقه زردها» که در سال ۲۰۱۸ در فرانسه آغاز شد، زمینه پرتنش این داستان بافته‌شده و پیچیده، احساسی و تکان‌دهنده از فساد و خشونت پلیس را فراهم می‌کند، از کارگردان و همکار نویسنده دومینیک مول. با کمال میل یک سریال تلویزیونی کامل را می‌دیدم که بر اساس شخصیت اصلی تسلیم‌ناپذیر فیلم، یک بازپرس پلیس با اصول به نام استفانی (با بازی درخشان لئا دراکر)، ساخته شود که در میان مقاومت جدی همکارانش، برای شناسایی پلیس‌هایی که به یک نوجوان معترض تیراندازی کرده و او را با جراحات جدی تنها گذاشته‌اند، تحقیق می‌کند. در وضعیت فعلی، فیلم بلند مستقل مول به نحوی تقریباً بیش از حد مرتب ساخته شده است که تنش‌های حرفه‌ای استفانی را به حوزه خانوادگی او می‌کشاند - یک نقص جزئی که نتیجه را کمتر جذاب نمی‌کند. اینکه یک درام پلیسی فرانسوی دیده‌اید، به این معنی نیست که یک اثر مول را دیده‌اید.

برادران بلژیکی ژان-پیر و لوک داردن، که پیش از این در میان تحسین‌شده‌ترین فیلمسازان تاریخ کن بودند، جایزه‌ای دیگر - بهترین فیلمنامه - را برای این درام حساس و انسانی خود دریافت کردند که در مرکز و اطراف یک مرکز برای مادران نوجوان در شهر لیژ اتفاق می‌افتد. این انتخاب افتخاری الهام‌بخش بود، زیرا داردن‌ها، که اکنون در دهه هفتاد زندگی خود هستند، چیزی ساده اما نسبتاً جدید را برای خودشان امتحان کرده‌اند: به جای ارائه مطالعه‌ای دیگر از وجدان فردی، مانند «پسر» (۲۰۰۳)، «بچه» (۲۰۰۶)، یا «احمد جوان» (۲۰۲۰)، تمرکز روایی خود را میان چهار شخصیت اصلی جوان تقسیم کرده‌اند که هر کدام با چالش‌های متفاوتی در حالی که از نوزاد خود مراقبت می‌کنند، روبرو هستند. بخش‌بندی ممکن است کمی نموداری به نظر برسد در توزیع مبارزات و مسائل خاص، اما همچنین احساس واقعی به گستره زنانی که به مرکز می‌آیند - و از آن خارج می‌شوند، صرف نظر از شرایط، و تحت تأثیر همدلی بی‌پایان این فیلمسازان قرار می‌گیرند.

کارلا سیمون، کارگردان کاتالان، پس از استفاده از عناصری از تاریخچه خانواده‌اش در اولین فیلم بلند خود، «تابستان ۱۹۹۳» (۲۰۱۷)، با این پرتره ظریف از یک فیلمساز جوان هجده ساله، مارینا (یوشیا گارسیا)، که با چند عضو خانواده دور که به سختی می‌شناسد، به تعطیلات می‌رود، بازگشتی دوست‌داشتنی به قلمرو اتوبیوگرافیک دارد. او سال‌ها پس از مرگ والدینش بر اثر ایدز - یکی از چند حقیقت ناخوشایند که در طول سفر به طور متشنج و دیرهنگام مطرح می‌شود - از این بستگان جدا شده بود. سیمون با اطمینان و ظرافتی زیبا و با فراوانی تصاویر ساحلی غرق در آفتاب، موانع احساسی را از میان برمی‌دارد، اگرچه در اینجا و آنجا - در استفاده گاه به گاه او از بخش‌هایی از دفتر خاطرات تصویری مادر مارینا، و در یک تغییر بزرگ در پرسپکتیو در پرده سوم - به سطحی از جسارت فرمال اشاره می‌کند که ممکن است در فیلم‌های آینده به تحقق کامل‌تر دست یابد.

مانند بسیاری از کارگردانانی که کار خود را در مقابل دوربین آغاز کردند، حفصیه حِرزی، فیلمساز فرانسوی، با بازی‌های واقعی که اغلب از خود بازیگرانش گرفته شده است، درام‌هایی درباره روابط پیچیده و دردناک خانوادگی ساخته است. در چهارمین فیلم بلند او، او در نقش یک زن جوان بی‌قرار در مرکز یک داستان غم‌انگیز خانوادگی قرار می‌گیرد؛ زنی که از مارسی به پاریس نقل مکان می‌کند تا در کنار خواهر کوچکترش، لینا (اینس رامی)، بازیگری که در مسیر حرفه‌ای خود مشکل دارد، باشد و از او حمایت کند. فیلم از حضور کاریزماتیک رامی بهره می‌برد و رابطه خواهرانه مرکزی آن صادقانه و قابل لمس است. با این حال، فیلمنامه حِرزی گاهی اوقات بیش از حد گنگ و فاقد کشش روایی ضروری برای تثبیت داستان است، و فیلم به جای اینکه به اوج واقعی برسد، به سادگی متوقف می‌شود.

این تریلر کم‌وبیش خوب، از کارگردان ژاپنی چیه هایاکاوا (نویسنده و کارگردان فیلم «برنامه‌های بازنشستگی»)، به یک زن جوان متمرکز است که یک شغل خطرناک را به عنوان ردیاب استخدام شده می‌پذیرد، برای یافتن یک مرد که شش سال پیش به سادگی ناپدید شده است و او را به منطقه مرزی ناآرام میان کره شمالی و روسیه می‌برد. در آنجا، او با یک شخصیت مرموز (یوکی ساساکی)، مردی که ممکن است هدف او باشد یا نباشد، دوست می‌شود. اگرچه هایاکاوا رویکردی بیش از حد محتاطانه را در پیش می‌گیرد - و هرگز تنش یا تعلیق لازم را برای این داستان به اندازه کافی توسعه نمی‌دهد - پایان فیلم دارای یک تغییر روایی غافلگیرکننده و رضایت‌بخش است.

این تگ مهم است و باید در جایگاه اصلی خود حفظ شود.

پس از ساختن یک سریال تلویزیونی بر اساس رمان سال ۱۹۶۳ مردخای ریچلِر در سال ۱۹۷۸، کارگردان کانادایی تد کوتچف (کارگردان فیلم‌های «اولین خون» و «ویکینگ جنوبی») بازگشتی تقریباً نیم قرنی به همان ماده با این اقتباس سینمایی کاملاً جدید داشته است. در این فیلم، ریچلِر، در نقش دادی (با بازی خوب دانیل دوور)، یک جوان یهودی جاه‌طلب در مونترال دهه ۱۹۴۰، از طریق مجموعه‌ای از کارهای ماکیاولیستی، از جمله تولید فیلم‌های «هنری» درباره زندگی در روستاهای کبک، راه خود را به سمت بالای نردبان اجتماعی باز می‌کند. این یک اثر دوره‌ای با دقت بازسازی شده و به خوبی اجرا شده است، پر از جزئیات محیطی و گروهی قوی از بازیگران مکمل، از جمله ریچارد درایفوس و وایولا دیویس. با این حال، فیلم کوتچف، مانند کتاب، از فقدان بینش نسبت به قهرمانش رنج می‌برد؛ او اساساً یک انسان تهی و بی‌اخلاق باقی می‌ماند، و در پایان ماجرا، به راحتی می‌توانستیم او را در همان نقطه آغازین ترک کنیم.

از آنجا که این فیلمساز دانمارکی، یواخیم بون، در سال ۲۰۲۲ نخل طلا را برای فیلم «مثلث غم» کسب کرد، باید به فیلم جدید او، یک کمدی سیاه به زبان انگلیسی درباره سه کارمند با روابط خوب که برای یک شرکت تولید نوشیدنی‌های انرژی‌زا کار می‌کنند، توجه نشان می‌دادیم. هرچند این فیلم به اندازه اثر قبلی او خشن یا بی‌رحمانه نیست، اما به همان اندازه تلخ و ناراحت‌کننده است، و اگرچه روری کینیار، مریت بوثن و لوئیزا کو رول، سه بازیگر اصلی، به خوبی در نقش‌های خود جا می‌افتند، بازی‌های آن‌ها، مانند فیلم، به طور کلی با فقدان بینش، شوخ‌طبعی و هدف روبرو است. این فیلم، به عنوان یک اثر بی‌جان و بی‌روح، به سرعت از خاطر می‌رود. (قرار است توسط Neon منتشر شود.)

این اولین فیلم انگلیسی زبان لوکرسیا مارتل، کارگردان آرژانتینی، درباره زنی آمریکایی (با بازی عالی جودی دایموند) است که برای کار بر روی یک فیلم بیوگرافی درباره رمان‌نویس جی. جی. بالارد به نیویورک سفر می‌کند و در آپارتمانی اقامت می‌گزیند که در ابتدا متعلق به او بود. فیلم مارتل، با لحنی که هم یکنواخت و هم ناخوشایند است، برای یک ساعت اول پر از دیالوگ‌های طولانی و عجیب درباره وضعیت ساخت فیلم و وضعیت جهان است، و از آنجایی که دایموند جذابیت فوق‌العاده‌ای دارد، تا حدی سرگرم‌کننده است. با این حال، زمانی که فیلم به تدریج وارد حوزه دلهره‌آور ژانری می‌شود و شخصیت‌ها شروع به صحبت درباره قتل، جنایات و اجساد می‌کنند، جذابیت عجیب آن جای خود را به چیزی واقعاً آزاردهنده می‌دهد. در نهایت به این نتیجه رسیدم که این فیلم نمی‌داند چه می‌خواهد باشد و در نتیجه، کارایی چندانی ندارد.

یک فیلم دیگر که باید به یاد بیاورید که به کارگردانی چه کسی ساخته شده است. این فیلم از کارگردان فرانسوی لئو کاراکس، اولین اثر او پس از فیلم عالی و عجیب «آنت» (۲۰۲۱) بود که کن آن سال را افتتاح کرد. در «ایستاده در نور»، آدام درایور در نقش کاراکس، یک فیلمساز مشهور، در یک سفر ذهنی و فیزیکی از گذشته تا حال بازی می‌کند و شخصیت‌های زن متعددی (با بازی دونی لاوان، ایجی گوا و ماریون کوتیار) او را در طول مسیر ملاقات می‌کنند. این یک شاهکار خودشیفتگی نامحدود است و تماشای آن با وجود بازی‌های خوب درایور و کوتیار، بسیار خسته‌کننده است؛ به طور کلی، این فیلم فقط حس یک ژورنال شخصی هنری فاقد خودآگاهی را دارد.

اولین فیلم اسپانیایی-آمریکایی پدرو آلمودوار، تلاشی بی‌تأثیر برای ساخت یک درام خانوادگی دوزبانه و چندنسلی است که در شهرهای میامی و نیویورک رخ می‌دهد. فیلم حول محور رکسانا (جولین مور)، ناشری که برای تبلیغ رمان همسر متوفی‌اش (با بازی عالی جان تورتورو)، نویسنده‌ای مشهور که رابطه عاشقانه‌اش با یک دانشجو (گابریل باسو و رزی مک‌ایون در نقش‌های مختلف) موضوع کتاب بود، سفر می‌کند. این یک داستان پیچیده و درهم‌تنیده است و آلمودوار به وضوح به دنبال پیچیدگی‌های فرهنگی و خانوادگی در میان این شخصیت‌ها است، اما فیلم فاقد انرژی و شفافیت، و فقدان درک کافی از زندگی شخصیت‌های اسپانیایی زبان آن است، تا چه رسد به بازیگران مکمل زیاد آن، که بسیاری از آن‌ها به سادگی برای دوربین آلمودوار فاقد کاریزما هستند. حتی مور، یکی از ستاره‌های بزرگ سینمای ما، در این فیلم بی‌رمق به نظر می‌رسد.

اولین فیلم فرانسوی گاسپار نوئه، کارگردان آرژانتینی الاصل، یک اقتباس طولانی و بی‌هدف از رمان دهه ۱۹۶۴ نوشته جیم تومپسون، درباره یک بدلکار هالیوودی معتاد به الکل است که در فیلمبرداری یک وسترن در فرانسه شرکت می‌کند. تماشای فیلم سخت و ناراحت‌کننده است و فاقد ضرب‌آهنگ، طنز یا انرژی جنون‌آمیز سایر آثار نوئه است؛ درایور نیز در اینجا در نقش بدلکار، با رفتاری بی‌تفاوت و بدون جذابیت درونی ظاهر می‌شود. این فیلم به طرز خسته‌کننده‌ای خشن، و به طرز ناخوشایندی بی‌احساس است. در پایان، به سادگی آرزو می‌کردم که تمام شخصیت‌ها هرچه سریع‌تر بمیرند، تا فیلم تمام شود.

از کارگردان ایتالیایی پائولو سورنتینو، این فیلم از ابتدا تا انتها یک فاجعه است. فیلمی بی‌مورد و بیش از حد طولانی درباره یک دختر نوجوان (با بازی درخشان نوآ جوب)، که در یک اردوگاه تابستانی با استخر شنا عاشق می‌شود، و معلمش (با بازی درخشان آدام درایور)، که به او در تمرینات شنا کمک می‌کند. فیلمنامه سورنتینو، که هم بی‌روح و هم پیش‌پا افتاده است، با دیالوگ‌های بی‌هدف و درام ساختگی فراوان، به طرز قابل توجهی ناامیدکننده است. بازی‌ها، اگرچه پرانرژی هستند، کمکی نمی‌کنند؛ همه بیش از حد بازی می‌کنند، و سورنتینو به نظر می‌رسد که در کارگردانی گم شده است. این فیلم تا حدودی به پایان می‌رسد، اما تأثیر آن، به غیر از ناراحتی صرف، ناچیز است.